Bong Joon-ho , South Korea, USA, 2013o


In 2031, the attempt to stop global warming has plunged the Earth into a new ice age. The last remnants of mankind are stuck on a racing train: the rich and powerful in the front, their military henchmen in the middle, and in the last wagons the lumpen proletarians, who are just gathering against their oppressors. Under their reluctant leader Curtis, this time everything will be different from the last uprising.

‘The Host’ director Bong Joon-ho has corralled a magnificent cast including Tilda Swinton, John Hurt, Jamie Bell, Ed Harris, Chris Evans and Ewen Bremner for this sci-fi actioner based on a French graphic novel. In a frozen post-apocalyptic wasteland, the only thing moving is the Snowpiercer, a sealed train housing the last vestiges of humanity – rich at the front, poor at the back. Hey, allegory! This Korean-French-American co-production has actually been released in the first two of those territories, and has been hailed as a classic, while the handful of British critics who made the trip across the channel came back raving (in a good way).


Der Südkoreaner Bong Joon-Ho ist seit dem Monsterfilm «The Host» auch im Westen als eigenwilliger Genrefilmer bekannt. Für seine erste englischsprachige Produktion hat er den französischen Comicroman «Le Transperceneige» zur Achterbahnfahrt in klaustrophobischer Enge verdichtet. Damit erfindet er die dystopische Endzeitfantasie nicht neu, verleiht ihr aber mit Formwillen und Polithintersinn neuen Schub.

Julia Marx

Eine neue Eiszeit auf der Erde, die wenigen Überlebenden haben sich in den Snowpiercer gerettet, einen Zug, der wie ein Perpetuum Mobile unaufhaltsam seine Runden um die Erde dreht - darin tobt ein blutiger Klassenkampf. Bong Joon-ho verdichtet mit großer Eleganz die gleichnamige Graphic-Novel-Reihe zu einer klaustrophobischen Achterbahnfahrt mit brutaler Bremsung.

David Steinitz

Un film d’action éblouissant sans jamais quitter l’espace clos d’un train lancé autour du monde.

Romain Blondeau

Le plaisir de voir s’épanouir une œuvre d’une telle vitalité doit probablement beaucoup à cet art de la versatilité si tranchant – demeurer insaisissable en s’adaptant à toutes les situations – qui est devenu, de film en film, la propriété exclusive de son auteur.

Vincent Malausa


Variety, 7/21/2013

From Scott Foundas

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The New York Times, 6/26/2014

From A. O. Scott

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Collider, 2/9/2015

From Christina Radish

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Sight & Sound, 12/15/2013
Blockage on the line: Snowpiercer vs Scissorhands

Bong Joonho’s Snowpiercer was one of the most anticipated films of 2013. But while it has been a hit in France and Korea, English-speaking audiences won’t be able to see it for some time to come. This is more than just a case of the wrong kind of snow.

From Tony Rayns

There are lawyers in the room, so we need to speak softly. Bong Joonho’s fifth feature Snowpiercer was shot on a huge sound-stage in Prague in the early months of 2013 and post-produced in Seoul in the late spring and early summer. Budgeted at around $40 million, which makes it the most expensive Korean production to date, the film had a gala premiere in Seoul on 29 July and opened to the public on 1 August.

It has so far grossed in the region of $65 million in South Korea alone, has recently opened in France and is now rolling out through the main East Asian markets. But it was conspicuously absent from the autumn’s major festivals in Europe and North America and (despite being almost entirely in English and starring Tilda Swinton, John Hurt and Jamie Bell among others) it has no scheduled release date in any English-speaking territory.

The film did play as a gala in the Busan Festival last October, and Bong introduced it there by alerting English speakers in the audience to the fact that it might well be their only chance to see it in his original version. This public announcement confirmed the truth of rumours that had been swirling through blogs and social network sites since July: that Bong was locked in a dispute over the editing of the film with The Weinstein Company (TWC), which had bought rights to Snowpiercer for six English-speaking markets and, amazingly, had contractual control over the film’s release dates in various other markets too. The dispute is ongoing (as I said, lawyers are now involved), so the film’s arrival in Britain – in any version – may well be long delayed.

Snowpiercer is based on the three-part French graphic novel Le Transperceneige (by Jacques Lob and Jean-Marc Rochette, who make fleeting appearances in the film), which Bong came across in Europe some eight years ago. It’s a very free adaptation. Only two ideas in the rather mediocre original caught Bong’s attention: the notion that a very long train in perpetual motion around the globe carries the only human and animal survivors of a new ice age, and the notion that the train’s division into first-class, second-class and cattle-class sections foments rebellion and a dream of revolution.

Bong wrote his own original screenplay, later enlisting Kelly Masterson to help with the English dialogue. He reduced the length of the train, created new characters and a new backstory and turned the piece into a playful and sophisticated political satire. The film very smartly questions the point and efficacy of revolutionary solutions – an angle with particular resonance for Koreans of Bong’s generation, who were actively involved in protests against the military dictatorships that governed South Korea until 1993.

The first I heard of problems with the film’s release came in a 14 July email from Bong. He was angered that programmers from the Locarno and Toronto festivals had been forbidden to preview the film by the Korean production company/distributor CJ Entertainment, on orders from TWC, on the grounds that the “TWC cut” – to be released in English-speaking territories, including the UK – was not yet finalised. He invited me to the premiere of the original version in Seoul and asked me to write about the film he had actually made.

Of course, I accepted. But by the time I arrived in Seoul on 27 July, matters had moved on. A DCP (digital cinema package) of the original version had mysteriously found its way to the Magno screening room in New York, without the knowledge or approval of Harvey Weinstein, where it was watched by Variety critic Scott Foundas. His enthusiastic review (“enormously ambitious, visually stunning and richly satisfying”) was posted on 22 July.

In Seoul, Bong told me about his fraught visit to the TWC office in New York earlier in the month. On arrival, he’d been greeted by Weinstein with a bear-hug and the words, “Director Bong, you are a genius!” But then he was asked to watch a rough re-edit of his own film prepared by TWC, purely, they insisted, to suggest to him how the film might be “improved” for American audiences.

The improvements, according to Bong, included deletions of some 25 minutes (Bong’s original runs for 119 minutes, plus six minutes of end-credits) and the elimination of most of the character-detail. TWC did not have access to the original picture and sound materials and so the re-editors had been forced to work on a DVD screener, but it was obvious to Bong that they were trying to turn Snowpiercer into a more conventional action-thriller. He was subsequently asked to come up with a shorter cut of his own, and to add explanatory voiceovers at the beginning and end of the film. TWC staffers explained to him that the film had to be made comprehensible to “audiences in Iowa and Oklahoma”. Weinstein later suggested that his “friend” Neil Gaiman be approached to write the voiceovers, a proposal Bong quickly rejected.

Harvey Weinstein has always liked to present himself as a cinephile producer/distributor, but he didn’t earn his nickname ‘Scissorhands’ for nothing. Back in the days when he and his brother Bob ran Miramax – before they sold the company to Disney – he was notorious for buying and then not releasing films.

One example among many: Miramax bought North American rights to Ann Hui’s Summer Snow (Nüren Sishi, 1995), a clued-in study of a woman coping with the problems of middle-age, including her father’s dementia, and then not only failed to release it but also refused to let it screen in festivals. I found this completely baffling at the time, until an American friend suggested to me that there might be tax advantages in owning an “unrealised asset”. I’ve no idea if that’s really why Hui’s film was shelved, but I do know that her reputation – and her prospects for selling later films in North America – weren’t helped much by Miramax.

The company didn’t so often cut or re-edit the films it bought back then, but the Japanese director Suo Masayuki once told me about his cautionary experience with Miramax over Shall We Dance? (1996). Weinstein had assured him that American audiences would never sit through a 2½-hour subtitled movie; he insisted on shortening the film for its US release, but suggested that the ‘director’s cut’ could come out later. Suo’s wry comment: “I’m still waiting.”

At TWC, Weinstein’s ‘issues’ with filmmakers are usually clashes over editing and running times. The joke currently going around Korean film circles is that the only Asian film ever released by TWC in its original cut is Ryoo Seungwan’s The City of Violence (Jjakbae, 2006) – simply because Weinstein couldn’t find anything to cut from a 93-minute movie.

Some directors are happy enough to let Weinstein re-edit and shorten their work. The latest example would be Wong Kar Wai, whose The Grandmaster (2012) had been released in at least three different cuts before Weinstein demanded a shortened re-edit for the English-speaking territories he owns.

But The Grandmaster is a shapeless and listless film, which flickers into dramatic life only very occasionally. Its best scenes are virtual re-runs of episodes already seen in Wong’s earlier movies, such as the over-familiar motif of a man coldly rejecting the woman who loves him. (As in 2046, the actors going through these motions are Tony Leung and Zhang Ziyi.) By endlessly tinkering with the film, Wong is tacitly admitting that he never really found a way to please both his Chinese audience and his non-Chinese fans. Weinstein introduced the TWC version at the London Film Festival (it played as the ‘surprise film’) as the most “kick-ass” martial-arts movie since Crouching Tiger, Hidden Dragon (2000), which suggests that he sees it as something it never was in the first place.

In some of the interviews he’s given to promote Snowpiercer in France and Hong Kong, Bong has been saying emollient things about TWC: he’s called the staffers “nice people” and stressed his hope that they can “reach a good conclusion” over a “speedier” cut of the film.

But, according to Richard Johnson’s 6 November report on the Page Six website, when Bong spoke at the Tilda Swinton tribute at the Museum of Modern Art in New York on 5 November, he referred to Weinstein with undisguised sarcasm (“Such a great man”) and publicly regretted that he couldn’t show the audience the film he’d made with Tilda. By email, Bong tells me that he swung by the TWC office again while he was in New York (“fucking hilarious”)… and that his original cut of the film will be showcased in the Berlin Film Festival in February. He and some of the actors will attend. This means that at least one Weinstein veto has been swept aside.

Nobody outside CJ and TWC – probably not even Bong himself – knows exactly what the lawyers are currently talking about. The happiest possible outcome would be for the TWC contract to be rescinded so that the film could be sold to other distributors in the English-speaking territories: distributors happy to show Bong’s original cut, already a proven hit in Korea and France. But Weinstein is not known for his eagerness to compromise, or for his willingness to admit that he might be in the wrong.

Whatever happens, Bong is the first East Asian director to challenge (seemingly with some chance of success) Weinstein’s right to re-edit his film. The strength of his position is that he’s not coming on as a bleating auteur who’s determined to preserve the sanctity of his ‘vision’ but as the creator of a popular film that has already wowed audiences in Korea and France.

Discussion of Snowpiercer itself should obviously wait for the film’s appearance in Britain, in whatever version, but it’s hard to resist giving readers some idea of what they’re currently missing. Like Bong’s other films, it’s rooted in genre but shot through with idiosyncrasies. Audience expectations are not so much confounded as exceeded. As we’ve noted, the film is fundamentally a political satire – but its political dimension emerges very naturally from the characters and situations, all of which feel right at home in an action-thriller.

Bong’s new backstory imagines that a future attempt to head off global warming has catastrophically backfired and caused the ice age that has extinguished life on the planet. The only person who saw this coming was the US industrialist billionaire Wilford, who built the Snowpiercer train and its track encircling the northern hemisphere, perfected the perpetual-motion engine, and sold off places in the elite sections of the train.

Political differences with his engineer-partner Gilliam (Hurt) have led to a schism; Gilliam now lives with the huddled masses in the tail of the train, where he inspires and guides a revolt against Wilford’s heavily guarded tyranny. Led somewhat hesitantly by Curtis (Chris Evans) and his sidekick (Bell), the uprising begins with an overtly phallic assault on the train’s prison-car to free the incarcerated designer of the security systems, Minsu (Bong’s regular star Song Kangho). It then makes slow progress through the protein-producing plant, the aquarium, the classroom, the greenhouse and the nursery and on to Wilford’s stronghold at the front.

At first sight, the uprising has an Eisensteinian simplicity and clarity: working-class vigour versus pampered bourgeois luxury. The assault inevitably comes up against fascistic counter-attacks; Bong gives us both hordes of identikit stormtroopers and a lone crack-shot killer (Vlad Ivanov, from 4 Months, 3 Weeks & 2 Days).

But the privileged part of the train is better represented by the train master Mason (Swinton), a Yorkshire schoolmarm type with buck teeth and an inalienable sense of superiority… and by Wilford himself, seen only in the closing scenes, who turns out to be someone rather different from the ogre everyone has imagined. Typically, Bong places the sting in the tail of the film – but at the front of the train.

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Tages-Anzeiger, 4/29/2014
Der Kriegszug

Dieser Film ist eine Bombe, er sprengt die soziale Eiszeit: Mit der finsteren Zukunftsvision «Snowpiercer» meistert der südkoreanische Regisseur Bong Joon-ho den systemkritischen Actionfilm.

From Pascal Blum

Manny Farber, der amerikanische Filmkritiker und Maler, nannte es die «Leuchtbomben der Vitalität». Er meinte das, was am Kino unberechenbar bleibt, was von irgendwoher einschiesst und die Leinwand zur Explosion bringt. Der Geheimfaktor des Kinos sozusagen, der aufscheint, sobald eine Szene zündet, ein Schauspieler funkelt, ein Kameramann magisch schwenkt.

«Snowpiercer» ist ein Film voller Leuchtbomben. Er spielt in einer gefrorenen Zukunft, in der ein Zug mit den Resten der Menschheit im Kreis um die Welt pflügt, quasi als rollende Arche im ewigen Schnee. Anhalten darf er nie: Draussen herrschen nach einer gescheiterten Therapie gegen die Klimaerwärmung Tod und Kälte. Drinnen, im Refugium des Lebens, ist es schlimmer: Das Lumpenproletariat darbt in der Holzklasse am Schwanzende des Zuges. Zur Lokomotive hin werden die Abteile immer nobler. Zuvorderst, im höchsten Führerstand, sitzt Wilford der Grosse, der Erfinder und Wächter über die Weltmaschine, und brät ein Steak. Ihm widmen die Primarschüler – eine Schule gibt es auch – eigene Hymnen, und im Grunde ist dieser Wilford Noah und Schöpfergott in einem: die letzte Rettung und der allerletzte Tyrann.

Aufstand der Ausgeschlossenen

Aber jetzt sind wir bereits an der Zugspitze. Dabei müssen wir hinten beginnen, im Dreck des revolutionären Subjekts. Dunkel ist es hier und eng, Pritsche stapelt sich auf Pritsche, und die Gesichter sind von Russ geschwärzt. Dafür helfen sich die Armen, solange es geht, und tun Übermenschliches, sobald es nicht mehr geht. Ein Klassenbewusstsein ist bereits vorhanden, als der Film beginnt, es hat nicht zuletzt mit den widerlichen Proteinriegeln zu tun, die die Abgehängten schlucken müssen. Curtis, ihr Anführer (Chris Evans), ist hart und bärtig, sein Protegé (Jamie Bell) ein Sinnbild des Ehrgeizes. In der Klause hockt eine Art Gandalf (John Hurt) und liefert den geistigen Überbau zum Kampf der Körper. Als der Augenblick kommt, wird der Feldzug eingeleitet, der Trupp stellt sich gegen seine Aufpasser und erobert Wagen um Wagen. Die Sozialstruktur ist eine vertikale Hierarchie; «Snowpiercer» legt sie in die Horizontale.

So weit, so Allegorie. Der in Klassen geteilte Glacier-Express, der ziellos vorwärtsrast – das kann nur ein Bild für unsere Turbogesellschaft sein, für ein beschleunigtes Leben, das vektoriell nach vorne prescht und dabei allerlei Verlierer zurücklässt. Aber der Actionfilm ist ja keine Einführung in soziologische Theorie, sondern die Kunstform von Bewegung und Rasanz. Sein Plot ist die Action selbst, die Dynamik von Kraft und Gegenkraft. Er handelt davon, was Menschen praktisch tun, und bedenkt ihre materiellen Schranken mit.

Der Marxismus ist da bereits eingebaut und die Metaphorik von «Snowpiercer» eigentlich überflüssig. Aber bei Regisseur Bong Joon-ho bleibt sie stets plastisch. Schliesslich ist der Südkoreaner ein Meisterkomponist des Kinos. Er beherrscht Rhythmus und Tonlagen, er zieht das Tempo an und bremst wieder ab, er setzt Zeitlupen dort ein, wo sie nötig sind, weil in der Langsamkeit die Tragik glüht. Er meistert Spannung wie Komik und bleibt sicher im Register, selbst wenn auf den Thrill der Slapstick folgt, und manchmal ist man nicht sicher, ob man in dieser Düsternis lachen darf (man darf). Auch die Kabinen sehen aus, als seien sie tatsächlich bewohnt. Wir entdecken den Zug gleichzeitig mit den Rebellen, uns gehen die Augen über, da wachsen Tomaten, da schwimmen Fische, es wird immer bunter, und nur schon filmarchitektonisch ist es ein Staunen und ein Wundern.

Noch raffinierter ist die symmetrische Bauweise des Drehbuchs: Alles, was am Ende des Zuges geschieht, findet ein Echo an dessen Spitze. Und vor allem wird die Dramatik aufgeladen mit der ­rebellischen Energie der Ausgeschlossenen – wie schon in Bong Joon-hos Science-Fiction-Film «The Host» (2006). Das war ja auch ein Thriller um ökologische Verantwortungslosigkeit. Die Technologiegesellschaft gebar darin ein Monster und liess es auf die Bewohner von Seoul los. Ausgerechnet eine verlotterte Familie stellte sich gegen das Ungeheuer – mit Pfeilbogen und Molotowcocktail.

Tilda Swintons Ekelgouvernante

Womit wir wieder bei den Leuchtbomben wären. Eine davon zündet früh in «Snowpiercer»: In der Hoffnung, dass die Gewehre der Aufpasser keine Kugeln enthalten, hält sich Curtis der Bärtige einen Lauf an den Kopf – und drückt ab. Klick. «They’ve got no bullets!», brüllt einer, und die Revolte kommt in Gang. Die Sequenz ist ein genial getakteter Adrenalinschub, bringt den Moment zum Bersten. Wann hat uns ein Genrefilm zuletzt so elektrisiert? Und warum spielt Tilda Swinton immer so toll? Hier tritt sie auf als Ekelgouvernante mit falschem Gebiss und hält vor den Slumbewohnern apodiktische Reden, die immer gleich gehen: In jeder Gesellschaft gebe es oben und unten, jeder müsse seine Position kennen. «So it is!», keift sie, so lautet die Ordnung.

Ideologie, zeigt «Snowpiercer», stellt etwas Gemachtes als natürlich dar. Und die Eiszeit draussen vor den Fenstern erinnert mit aller Härte daran, dass eine andere Welt unmöglich ist. Ein Schelm, wer dabei nicht an den Kapitalismus denkt und an die Ungleichheit, die er mit sich zieht. «Be the shoe!», ruft die Gouvernante dem Gesindel entgegen, und meint: Bleibt unten. Bei Bong Joon-ho kann man sicher sein: Irgendwann kommt ein Schuh geflogen.

Ja, «Snowpiercer» hat einen Zug ins Irre. Der Film beruht auf der französischen Comicserie «Le transperceneige» von Jacques Lob und Jean-Marc Rochette. Bong Joon-ho soll die drei Bände im Stehen verschlungen haben, als er sie in einem Buchladen entdeckte. Er übernimmt davon aber nur die Grundidee vom ewig kreisenden Zug. Der Rest ist Autorschaft und Anarchie. Und auch wenn der Südkoreaner erstmals in englischer Sprache drehte und dazu mit internationalen Stars und Geldern: Er behält die Kontrolle über Ästhetik und erzählerischen Drive. «Snowpiercer» tanzt nach eigenem Offbeat-Takt und springt spielend von einer Oktave zur nächsten. (Mit der Logik nimmts der Film nicht allzu genau, aber wenn der Plot dasselbe ist wie Bewegung, fegt er auch über seine Löcher hinweg.)

Auslese im Weltmodell

Am Schluss, das darf man verraten, dringt Curtis der Bärtige bis zu Wilford dem Grossen vor. Der Showdown wird zum Wortduell über die Systemlogik eines Zivilisationsmodells. Es beruht auf einem prekären Gleichgewicht von Starken und Schwachen, erklärt Wilford, und eigentlich herrschen in seinem Zug die Naturgesetze der Auslese, während die tödliche Eiszeit eine menschengemachte Katastrophe darstellt. Das ist die erste bittere Verkehrung von «Snowpiercer». Die zweite ist noch bitterer, weil wir sie allzu gut kennen: Revolutionen sind nur dazu da, das Personal der Institutionen auszutauschen. «Snowpiercer» aber weiss: Man muss das System als Ganzes niederbrennen. Dann explodieren noch zwei, drei Leuchtbomben. Als die grösste von ihnen zündet, wird die Leinwand gleissend hell.

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Und wenn der ganze Schnee verbrennt

Eine internationale Großfilmproduktion als Zwischenbericht aus der zunehmenden sozialen Vergletscherung: „Snowpiercer“ von Bong Joon-Ho lässt Stars und Maschinen unser Elend beschleunigen.

From Dietmar Dath

Nachhaltigkeit als Schreckensregime, ein Vorgeschmack: Je gründlicher der Planet verhunzt wird – das ließe sich selbst ohne Klimawandel nicht übersehen, ausgelaugte Böden und überfischte Meere sind schlimm genug –, desto wahrscheinlicher wird für das Ende des laufenden und den Beginn des nächsten Jahrhunderts das erste Auftreten der neuen experimentellen Staatsform „Ökodiktatur“. Die Ärmsten trifft es wahrscheinlich zuerst, bei so was haben sie meistens Vorfahrt.

Der südkoreanische Regisseur Bong Joon-ho, der 2006 so gescheit war, die Gattung Monsterfilm mit „The Host“ aus der Zwickmühle zu befreien, in die sie im Westen zwischen schalem Roland-Emmerich-Schwachsinn und neunmalklugen „Cloverfield“-Filmhochschulabschlussarbeiten geraten war, beweist mit „Snowpiercer“ die Filmtauglichkeit kommender autoritärer Antworten auf die Frage nach der Zerstörung natürlicher Lebensgrundlagen, indem er diesen ökopolitischen Stoff auf engstem Erzählraum mit älteren sozialen Fragen kurzschließt.

Die vorwärtsstrebende Gesellschaft dreht sich im Kreis

Die Welt, die der Film voraussetzt, ist eine lebensfeindliche Eishölle; Menschen überdauern darin nur als abgeschottete, streng hierarchisierte und nach Waggons segmentierte Notgemeinschaft – in einem Zug, der nirgends je hält und in dem daher alles, was geschieht, die stete Wiederkehr des aussichtslos Immergleichen bedeutet. Ein Jahr braucht diese immense Eisenbahn (die Comic-Vorlage spricht von „tausend Wagen“), um die zum Gefrierschockbild erstarrte Erde zu umrunden.

Am Zugende leben Zerlumpte und Perspektivlose, vorne sitzt der Ingenieur – die Metapher ist vorzüglich, weil sie mit dem längst nicht mehr zeitgemäßen, schon gegen Ende des Feudalismus im Grunde erledigten vertikalen Muster „Ihr da oben – wir da unten“ aufräumt und es durch eine horizontale, von allerlei Durchgangssperren regulierte Ordnung ersetzt, in der die Leute umso angeschmierter sind, je weiter sie gegenüber der unablässig vorwärtsdrängenden sozialen Gesamtdynamik zurückfallen. Nur in Fahrtrichtung, heißt das, nehmen Energie und Information zu, die Leitgrößen der beiden Achsen, an denen entlang sich heute das verwirklicht, was in überschaubareren Zeiten „Entwicklung der Produktivkräfte“ hieß.

Mit Leben erfüllen dieses hochanschauliche Schema in „Snowpiercer“ erstens internationale Hochleistungsdarsteller von Chris Evans bis Song-Kang Ho und zweitens ein abwechslungsreich-episodischer Erzählstil, der die aus dem südkoreanischen wie japanischen, zunehmend auch aus dem chinesischen Kino geläufige Umsicht bei der Parallelsynthese von einander zwar immer wieder unterbrechenden, aber absolut gleichwertigen Handlungseinheiten beweist, welche gemeinsam absichtsvoll quer zu den handelsüblich-westlichen Blockbuster-Klammerarchitekturen aus ringförmig arrangierten Haupt- und Nebenstory-Blöcken stehen.

Die offensichtlichste dieser „Snowpiercer“-Ploteinheiten arbeitet sich Torsperre für Torsperre lokwärts – ein erster Höhepunkt des Films ist auch ihrer, nämlich ein gebremst veitstanzendes Gemetzel in expressiv instabilem Helldunkel, bei dem der Ansturm der Entrechteten auf die Metzger der Zugpolizei sich freizügigst gleichermaßen beim Ritterfilm wie bei Sergei Eisenstein bedient.

Ein anderer Strang ist die effizient durchformalisierte Heldenerzählung vom designierten Befreier, einer Rolle, die sich im Laufe des Geschehens immer würgender um den Hals von Chris Evans legt, der als Rebellenhoffnung Curtis vergeblich versucht, nicht auf seine abgeschmackte Erlöserfunktion reduziert zu werden – im Zug sind die Leute nun mal einzig das, was sie irgendwem nützen können, das gilt nicht nur für den ehemaligen Violinisten des Boston Symphony Orchestra, sondern auch für den Proleten-Messias.

Klaustrophobisches Weltendrama

Es schränkt freilich auch die Handlungsoptionen seiner sukzessiven Widersacherinnen und Gegenspieler ein, von der herzlosen Volkserzieherin Tilda Swinton (so eklig war sie noch nie, das kann sie also auch besser als alle anderen) bis zum abgeklärten Zugchef Ed Harris, der aber wiederum nicht nur Evans, sondern auch dessen Ziehvater John Hurt als multiversaler Gegenspieler dient – die beiden alten Herren bekämpfen einander in einem zierlichen Stellungskrieg, der wie eine Beckett-Bearbeitung von Büchners „Dantons Tod“ wirkt, bei der Robespierre und der Titelheld einander nie begegnen müssen, um gemeinsam dennoch eine ganze klaustrophobische Welt mitten hindurchzureißen, deren nur scheinbar unversöhnlich verfeindete Pole sie sind.

Ein ganzer dramatischer Bogen gehört schließlich allein dem drogensüchtigen, von allem Möglichen enttäuschten und angewiderten Techniker Namsoong Mingoo und der jungen Yona, der einzigen Seele, für die jener sich noch interessiert (selbst seine eigene ist ihm längst egal). Ko Asungs Porträt der Yona denkt diese als eine Frau, die, kaum erwachsen, schon alles vergessen hat, was Kinder hoffen, während Song-Kang Ho ihren Beschützer mit einer felsigen Coolness serviert, neben der Clint Eastwood wie Hape Kerkeling aussieht.

Weil alle diese Passagiere Menschen sind, die keine Fahrkarte besitzen, sondern ihr Leben mit der paradoxen Doppelbeschäftigung in Betrieb halten, allerlei metaphorische Plätze zugleich eisern festzuhalten und bei jeder Gelegenheit gegen bessere einzutauschen, geht es den Privilegierten hier eigentlich nicht nennenswert besser als den Getretenen, nämlich ungefähr so wie den Reichen im treffenden Globalisierungs-Gleichnis von Hermann Peter Piwitt, weil sie zwar überall hin-, aber nicht mehr rauskommen.

„We control the engine, we control the world“? Ach was, auch die vermeintlichen Hebelinhaber sind nur mehr Anhängsel der Maschine von „that hell-bound train“, wie die großartige gleichnamige Kurzgeschichte des „Psycho“-Dichters Robert Bloch von 1958 diese spezielle Familie von Albträumen getauft hat.

Wie eine umzingelte Stadt, der die Lebensmittel ausgehen

Wie es sich für einen Regisseur von Weltrang gehört, ist Bong Joon-ho mit seiner Quelle, dem Comic „Le Transperceneige“ des Autors Jacques Lob sowie der Künstler Jean-Marc Rochette und Benjamin Legrand, nicht zimperlich umgesprungen – die Hauptfiguren der Graphic Novel hat er schlicht ignoriert, seine Charaktere weisen wesentlich mehr Graustufen auf und erleben andere Schicksale als jene, auch zahlreiche Details im Zug unterscheiden sich erheblich – tierisches Protein etwa kommt im Film von Insekten, nicht von den „Fleischmäusen“, die der Urtext kennt.

Worum es aber geht, bleibt umso deutlicher erhalten: „Die Volksgemeinschaften Mitteleuropas leben wie Einwohner einer rings umzingelten Stadt, denen Lebensmittel und Pulver ausgehen und für die Rettung menschlichem Ermessen nach kaum zu erwarten. Ein Fall, in dem Übergabe, vielleicht auf Gnade oder Ungnade, aufs ernsthafteste erwogen werden müsste.“ – Das schrieb Walter Benjamin in der „Reise durch die deutsche Inflation“, und während uns Mitteleuropäern Presse, Fernsehen und Internet gerade erzählen, dass jener russische Oberkommandant, dem der berühmte General Winter untersteht, sich mit der allmählichen Ostwärtsbewegung der Nato seit dem Ende der Sowjetunion von Anfang an selbst unter Belagerungsnotstand setzen wollte, um damit seine Expansionsabsichten zu tarnen, wird unterdessen die Festung des Reichtums aus Benjamins Gleichnis zu etwas, das zwar abgeschottet bleibt, aber nicht stillstehen will, wie der Zug in „Snowpiercer“, unterwegs in einer Sinnlosigkeit, an der auch Aufstände und Putscherfolge nichts ändern.

Nachhaltigkeit, sagt „Snowpiercer“, mag an sich so wünschenswert sein wie etwa globale Sicherheit oder ein kontinentales Kräftegleichgewicht, aber ganz wie jene Parolen eignet auch sie sich problemlos als Rechtfertigung der Militarisierung und Brutalisierung von Gemeinwesen nach innen wie außen. Der Fahrt auf solchen Schienen, lernt Chris Evans als gebrochener Held Curtis schließlich, ist selbst die Entgleisung oder der Ausstieg in die Schutzlosigkeit vorzuziehen.

Denn sogar Heldentaten schaffen nur kurzfristig Hitze, die niemanden wärmt, und ihre Konsequenzen sind oft genug so kalt wie das, was sie überwinden wollen. Immerhin: Auch die ökologisch gerechtfertigte Herrschaft ist, wie jede vorher, brennbar.

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From Michael Ranze

Es ist eine dieser Anekdoten, die man nicht überprüfen kann. Sie muss aber auch gar nicht stimmen, weil sie stellvertretend für etwas anderes steht, für Begeisterung und Interesse: Als der südkoreanische Regisseur Bong Joon-ho, in Europa bekannt geworden durch The Host (2006) und Mother (2009), in einem Buchladen in Seoul die Graphic Novel «Le Transperceneige» von Jean-Marc Rochette aus dem Regal nimmt, soll er noch im Geschäft alle drei Bände verschlungen haben. 2005 war das. 2010 beginnt das Schreiben am Drehbuch, im Juli 2012 enden die Dreharbeiten. Snowpiercer hat Bong nicht mehr losgelassen, es ist sein erster englischsprachiger Film, als internationale Koproduktion ausserhalb des Studiosystems entstanden, zum grossen Teil auf mehreren Soundstages in Tschechien gedreht. Und doch ist es wieder ein typischer “Bong Joon-ho” geworden: visuell atemberaubend, thematisch anspruchsvoll, stilistisch ungewöhnlich.

Die Eiszeit, die die ganze Erde wie ein weisser Mantel umhüllt und jedes Leben ausgelöscht hat, ist vom Menschen selbst verschuldet. Einige Tausend Überlebende haben sich auf einen endlos langen Luxuszug mit zahllosen Waggons gerettet, den «Snowpiercer». Eine Arche Noah, die sich «wie eine Schlange um die Erde windet», so der Regisseur. Oder sich schlicht und einfach ohne Halt und ohne Ziel im Kreis um den Globus dreht. Dieser Zug ist reine Bewegung (und reflektiert somit einen der wichtigsten Momente des Kinobildes), dieser Zug zelebriert – wie Arthur Hillers Trans-Amerika-Express, Andrej Konchalowskis Runaway Train oder zuletzt Tony Scotts Unstoppable – Die Wucht der Maschine. Der «Snowpiercer» ist ein imposantes, losgelassenes Ungetüm, das wie ein Perpetuum mobile nicht halten kann. Oder darf. Denn ein Stop bedeutete den unmittelbaren Kältetod. Eine Dynamik, die sich auf die Handlung überträgt: nur nach vorn, nicht zurück. Und so, wie auf James Camerons «Titanic» die sozialen Klassen vertikal, von oben nach unten, gestaffelt waren, sind sie es hier horizontal, von vorne nach hinten: die Reichen an der Spitze, die Armen am Ende. Und hier, im letzten Waggon, beginnt die Erzählung. Zahlreiche Menschen in schäbiger Kleidung sind auf engstem, dunklem Raum zusammengepfercht, so, als seien sie einem Dickens-Roman entsprungen. Keine Fenster, keine Möbel, nur übereinandergezimmerte Pritschen erlauben so etwas wie Rückzug. Ernähren müssen sie sich von glibberigen Riegeln, die wie zurechtgeschnittener Wackelpudding aussehen. Unhaltbare Zustände, die auf eine unsichtbare, nicht greifbare Diktatur verweisen, gegen die nur eine Revolte hilft. So führt Curtis den Widerstand an, unterstützt von seinem Adjutanten Edgar und bestärkt durch handschriftliche, im Essen versteckte Botschaften, die auf Mithelfer in der Mitte des Zugs verweisen. Mit selbstgemachten Waffen brechen die Revoluzzer nach vorne durch, von Waggon zu Waggon. Das dramaturgische Korsett des kleinen, klaustrophobisch-bedrohlichen Schauplatzes, der stets in Bewegung ist, öffnet sich plötzlich zu mehr Handlungsraum und helleren, bunteren Welten.

Das Konzept des Films: Der Zuschauer weiss immer genauso viel oder eher weniger als die Beteiligten. Die Tür zum nächsten Waggon öffnet sich wie eine Wundertüte, die man so nicht erwarten konnte, und erst nach und nach ergibt sich das Gesamtbild eines Ökosystems, das sich selbst versorgt. Da gibt es ein üppiges grünes Gewächshaus, ein grosses, blaues Aquarium, sogar eine rote Schulklasse, in der die Schüler, die im Zug geboren sind und die Aussenwelt nie kennengelernt haben, von einer Matrone indoktriniert werden. Immer dekadenter wird die Ausstattung der Waggons, je weiter die Revolutionäre nach vorne durchkommen, immer dekadenter die Reichen, die sie bewohnen. Und endlich gewähren auch Abteilfenster den Blick auf die blendend weisse, aufregend schöne und doch so lebensfeindliche Landschaft. Ein Panorama, das den Blick des Zuschauers auf die Leinwand imitiert und somit die Kinosituation des Schauenden selbstreflexiv untersucht.

Doch hier geht es nicht nur um innere und äussere Räume, sondern auch um Menschen, die die Handlung behindern oder vorantreiben, um präzis umrissene Charaktere, ihre Geschichte und ihre Beweggründe. Nicht von ungefähr wird Curtis von Chris Evans dargestellt, der als «Captain America» und Mitglied der «Avengers» ein ganzes Paket an Mythen der Aufrichtigkeit und Unbesiegbarkeit mit sich trägt. Moralisch unterstützt wird Curtis von seinem weisen, körperlich versehrten Mentor Gilliam (John Hurt, 74, in einer schönen Altersrolle), der als Einziger den gottähnlichen Erfinder des Zuges kennt und um das Chaos der Anfänge weiss. Tilda Swinton hingegen spielt Mason, eine Ministerin, die über gesichtslose, schwarz gekleidete Söldner gebietet, als Karikatur einer Gouvernante mit Pferdegebiss, strenger, konservativer Kleidung, grosser Brille und absurdem Akzent. Der Kampf gegen ihre hochgerüstete Leibwache sorgt für die ungewöhnlichste Actionszene des Films. Während der Zug durch einen Tunnel rast, ist Curtis’ Männern die Sicht verwehrt. Sie müssen sich, genau wie der Zuschauer, akustisch ein Bild machen: Gewehrschüsse, aufeinanderprallendes Schlagwerk, tropfendes Blut. Wie Bong diese Szene auflöst, ebenso gewitzt wie überraschend, ist schon ein kleiner Geniestreich. Wie auch das Ende, das sich als Traktat über die Grausamkeit des Menschen lesen lässt – nicht ohne Hoffnung zu verbreiten. Mit einem Mal ist es draussen auch nicht mehr ganz so kalt.

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À voir-À Lire, 7/10/2019

From François Blet

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Libération, 10/28/2013

From Didier Péron

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Video-Essay: "Snowpiercer"
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Movie Datao

Other titles
Snowpiercer : Le transperceneige FR
Science fiction, Action
Running time
126 Min.
Original languages
English, Korean, Japanese
ØYour rating7.1/10
IMDB user:
7.1 (248007)
< 10 votes
< 3 votes

Cast & Crewo

Chris EvansCurtis Everett
Jamie BellEdgar
Kang-ho SongNamgoong Minsu


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We got this Covered, en , 07‘49‘‘
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Film at Lincoln Center, en , 55‘23‘‘
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Review Variety
Scott Foundas
Review The New York Times
A. O. Scott
Interview with director Bong Joon-ho
Collider / Christina Radish
Background: Snowpiercer and the English-speaking markets
Sight & Sound / Tony Rayns
Review Tages-Anzeiger
Pascal Blum
Review Frankfurter Allgemeine Zeitung
Dietmar Dath
Review Filmbulletin
Michael Ranze
Review À voir-À Lire
François Blet
Review Libération
Didier Péron
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